｜療癒手作美學：Tufting 技法的魅力與變革
近年來瀏覽 Instagram，很容易被「Tufting 工作坊」洗版：只要一個下午，大家就能用簇絨槍（Tufting Gun）把喜歡的圖案變成一張毛茸茸的手作地毯。那種「搭搭搭」的聲響本身就是一種療癒，作品完成後的成就感，更是讓人欲罷不能。
Tufting 的原理，是透過簇絨槍將紗線穿進織物，之後修剪線材讓其呈現毛絨質感。相比編織或刺繡，這項工藝更直覺、快速，適合非專業的創作者參與。回溯歷史，Tufting 源於 1930 年代美國的機械化簇絨工具，因成品外觀像草皮（turf）而得名。今天，它已經逐漸成為軟裝設計與居家佈置的潮流。
｜Tufting 入門：你的地毯不只是地毯
當許多人還以為 Tufting 只能做成地毯時，國際上的藝術家們已經將這項工藝延伸到更多地方：毛絨外框的鏡子，柔化冰冷的鏡面質感；二手凳子加上簇絨坐墊，獲得煥然一新的生命；甚至還有人客製專屬圖樣，將刺青轉化為獨一無二的地毯。
例如紐西蘭的 ELS Studio，以大自然素材為靈感，創作出花草、太陽與等輪廓的作品，把故鄉或某個場域化為腳下的記憶。這些作品不只適合放進 居家佈置，更能成為 商業陳列 的吸睛亮點。Tufting 於是突破「地毯」的範疇，成為具情感性的設計語言。
｜生活應用提案：Tufting 點亮你的居家角落
Tufting 在生活中的魅力，正來自於它的可塑性。波蘭華沙的 Sauro Studio，由兩位平面設計師創辦，他們以「慢設計」為核心，將環保與自然理念帶入簇絨創作。作品「泡泡系列」透過誇張扭曲的形狀，讓地毯成為空間佈置的主角；「成長系列」則以自然感受轉化成圖樣，為 空間規劃帶來更有機的呼吸感。
法國藝術家 Julie Robert 則以 Mix & Match 為特色，她將簇絨與編織、刺繡結合，創造出層次豐富的紡織作品。異材質拼接、乾燥花材的融入，讓 Tufting 的應用更廣：燈罩、花瓶、衣物甚至家具家飾，都能展現獨特的風格。
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提供專業價值的軟裝設計服務，藉由具有設計感的訂製家具家飾品，佈置出有質感與功能兼具的空間。
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在 2025 年米蘭設計週上，「再生設計」（Upcycling）成為當代設計的焦點，許多設計師與品牌不再單純追求華麗或完美，而是思考材料、工藝與社會之間的連結。來自東京的創意工作室 AtMa 帶來的作品「J39.5」，不只是家具家飾的再利用，更是一種生活態度的提案。它提醒我們：設計，不僅是空間規劃或家具家飾的搭配，而是一次關於物件尊嚴、文化記憶與詩意重生的深刻思考。
｜設計哲學重構經典：不修復，而是賦予新敘事
AtMa 在拾荒中發現一張受損的丹麥經典椅 J39——椅背裂開，還缺了一隻椅腳。這張由 Børge Mogensen 為 FDB Møbler 設計的「國民椅」，原本是對功能美學的讚頌：堅實的木質框架搭配手編紙繩座面，既適合鄉村，也能進入城市畫廊。然而 AtMa 沒有選擇單純修復或復刻，而是保留完好的結構，重新組合出全新型態，命名為「J39.5」。「.5」象徵的不是半成品，而是一種視角的轉換，讓經典設計擁有新的生命故事。這種做法讓人看見設計如何超越時間，轉化為一種文化敘事。
｜再生設計的生命力：材質與工藝的二度詮釋
在「J39.5」系列中，有些作品將椅腳轉化為坐面，有些則將破損木材研磨成紙漿，再扭織成新的紙繩。AtMa 強調「不額外添加」的原則，僅以重新配置或組合來完成作品。這種方法不是單純的修補，而是一種以過程為核心的再創作。 這樣的再生設計展現了材質的延續力與工藝的韌性。在空間軟裝設計與商業陳列的應用中，這種設計語言不僅延伸了物件的使用價值，更引導人們重新思考家具家飾與居家佈置的可能性。
｜不完美的美學：生活空間如何實踐詩意重生？
在一個迷戀嶄新與完美的時代，「J39.5」的價值正在於它的不完美。裂痕、缺口、改造後的痕跡，反而讓椅子有了更深的詩意。AtMa 認為，設計的美不應只停留在表面，而是蘊含著生活的時間感與物件的尊嚴。 這樣的態度同樣能應用於居家佈置：當我們在空間中留下自然的磨耗與歲月的痕跡，不是缺陷，而是日常的詩意。軟裝設計因此不只是美化，而是透過再生與重構，讓生活空間成為能夠「呼吸」的場域。
｜滋養生活的設計態度：選一件有溫度的再生家具
「J39.5」所傳達的，是一種溫度感。它提醒我們在挑選家具家飾時，不必只追求全新的無瑕，而可以選擇承載故事、經歷再生的物件。這不只是永續性的實踐，更是一種生活哲學：每一件家具，都是陪伴我們的日記。 在空間規劃與居家佈置的過程中，選擇一件有溫度的再生家具，等同於為生活留下一個細緻的註腳，既能滋養日常，也能成為我們與世界對話的方式。
( photos via Shunsuke Watanabe )
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在現代生活中，燈光早已超越單純照明功能，成為空間中表達生活風格與氛圍的重要設計語言。無論是軟裝設計、或者室內空間規劃，以及家具家飾 的搭配，燈飾都能影響我們對家的想像。近期，瑪黑家居 Dream Plaza 統一信義香氛店攜手韓國燈飾品牌 ILKW 舉辦快閃展，透過「雲朵燈」營造夢幻氛圍，展現出設計如何在居家佈置 與商業陳列 之間找到新的可能。
｜ILKW：從老牌電球廠商到韓國燈飾新星
ILKW 的歷史可追溯至 1962 年，起初專注於鎢絲燈泡的製造，是韓國燈具產業的重要角色。經過半世紀的專業積累，讓品牌在品質與工藝上有了堅實基礎。直到 2016 年，ILKW 開始轉型，將傳統製造經驗轉化為設計導向，從工業製品走向結合美學的燈飾，逐步嶄露頭角，成為韓國新一代設計品牌代表。這樣的轉型，不僅是產品的更新，更像是逐步進行對於空間規劃與生活美學的再定義。
｜時尚圈爆紅的「雲朵燈」：SNOWMAN 系列的魅力解構
2021 年冬季，ILKW推出了SNOWMAN 系列，以傳統吹製玻璃工藝完成膨潤且光澤的燈罩，雙層雲朵般的圓潤輪廓為空間注入柔和氛圍。SNOWMAN 燈飾簡約卻不失細節，從桌燈到吊燈、落地燈，再到便攜充電款，每一種版本都各有特色。其中限定的太妃糖版本，更在光影中呈現如糖衣般的質感。SNOWMAN 系列兼具造型美感，並賦予居家佈置高度靈活性，使空間得以在功能與氛圍之間取得平衡。
｜快閃展 x 空間體驗：雲朵燈如何點亮夢幻生活風格
為慶祝新店開幕，瑪黑家居與 ILKW 合作舉辦一個月的快閃展，將 SNOWMAN，SNOWBALL 與多款特色燈具呈現在複合式場域中，將商業陳列與消費者的沉浸式體驗予以結合。環境中將燈光、香氛與餐飲融合，讓展場宛如被漂浮的光雲點亮，觀者能親身體驗光影如何塑造氛圍。這樣的呈現方式，展現了設計在零售場域與日常生活之間的延伸，讓燈飾成為生活風格的一部分。
生活提案：如何將雲朵燈整合於居家軟裝設計中？
雲朵燈的特點，在於能靈活融入各種場景，放置在臥室床頭，燈光柔和，能營造放鬆氛圍；置於客廳角落，則成為陪伴日常的光源；若懸掛於餐桌上方，更能提升聚會的溫度。它的玻璃材質與金屬底座，可與木質、石材或布料元素自然搭配，能輕易與空間中的家具家飾互相呼應。無論是居家空間還是小型商業場域，ILKW 的設計都能提供不同的佈置提案，讓光線成為一種細膩的空間雕塑。
（photos via ILKW）
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生活中許多地方，都能成為我們培養美感思維的養分，從解讀不同的建築與空間建構的過程與理念，也能讓我們對於軟裝設計或者商業陳列，有更多角度的見解與構思。
美術館，是許多人會前往採集靈感結晶之處，而除了展間內的藝術作品以外，是否曾經嘗試解讀建築與內部空間規劃的語彙呢？今天就跟著DO UP一起來看看這座曼谷新地標：Dib Bangkok，作為老舊建築重建改造的美術館，透露著什麼樣的訊息，又有著怎樣的核心理念，讓我們來一探究竟吧！
｜以當代藝術作為連結泰國與全球的橋樑
Dib Bangkok預計今年底將於曼谷盛大開幕，與以泰國本土當代藝術為核心的MOCA Bangkok不同，Dib Bangkok專注於國際間的當代藝術，期望能成為連結泰國與全球的文化樞紐。Dib Bangkok由泰國富商Osathanugrah家族創辦，作為一位狂熱的藝術收藏家，如今已從世界各地累積多達千件的藝術作品，而為了進一步拓展泰國當代藝術的視野，便有了於曼谷市中心建造一座文化地標的想法，並將此願景交由泰籍建築師Kulapat Yantrasast帶領的建築事務所WHY Architecture操刀設計。
｜舊倉庫的重建新生，融合歷史與現代的詩意空間
Dib Bangkok中的Dib，為泰文中表達「原始」或「自然狀態」的字詞「ดิบ」，據此作為美術館建築的核心精神，設計團隊改建了一棟1980年代的鋼構倉庫，並且為了向此建築的歷史記憶致敬，保留空間中原有的工業性結構，比如二樓層的傳統窗框與天花設計，同時注入屬於現代美學的建築設計語彙，使傳統與現代巧妙的交會，締造出新舊合一的嶄新面貌。
｜多元展廳呈現豐富藝術收藏
Dib Bangkok內部共有11間展廳，整體以白色與灰色等素色調為主，刻意保留裸露的混凝土牆柱，粗糙的表面透露出原始的美感，並且全室通透無隔間牆面，呈現出最原始的工業風格，寬敞開放的空間也成為展覽中，可以襯托作品的低調純粹背景。建築本有的天窗，將自然光引入三層樓的室內，形塑出靜謐的場域，讓人忍不住在觀賞展品時，陷入與自我對話的沉思中。
｜開幕展覽與未來展望：啟動全球藝術交流新篇
Dib Bangkok的園區中，保留了一處寬敞的中央庭院，並於其中建造了一棟由馬賽克磁磚貼附於牆面的錐形展廳，並命名為－教堂，此展廳的周邊環繞著水井，烘托出遺世而獨立的寧靜感。WHY Architecture設計團隊擷取了舊建築中的特色格局，賦予其符合美術館性質的功能分區，同時也拓展人們觀展的另類空間體驗。Dib Bangkok作為曼谷的新形態美術館，期望成跨越傳統框架，為跨文化與跨世代搭建起對話的橋樑。開幕展覽的主題便以－「Invisible Presence」（無形的存在）為主題，匯集200多位國際藝術家的創作，包括泰國藝術家Monthīan Bunmā、韓國藝術家李昢、德國藝術家Anselm Kiefer、波蘭裔藝術家Alicja Kwade等等，為曼谷當代藝術圈揭開全新的篇章。
（photos via Dib Bangkok ）
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｜座落於雅典市中心，將現代藝術融入傳統建築的Mona Athens
一座建造於1950年代的八層樓工業廠房，獲得了嶄新的樣貌，位於雅典市中心普西里的Mona Athens ，如今成為雅典城市中引人駐留的景點之一，由設計工作室 Shila Maison d’Objets 主導重建與設計，將空間規劃為擁有20間客房的旅店，其中結合咖啡館、酒吧以及屋頂露臺的複合式空間。在軟裝設計與商業陳列上無處不融入帶有藝術美學的視角。
飯店中的每一個房間，都展示了來自世界各地藝術家的原創作品，與房間中的設計美學相映成趣，讓每一位來居住的旅人都能感受到雅典深厚的文化底蘊。
｜50 年代的歷史建築：古色古香的美，迴盪空間中
Mona Athens 所處的普西里城，是個充滿矛盾之美的地方，雄偉的城牆就在眼及之處，懷藏著各式各樣豐富的古老集市，其中最著名的便是古董市場-蒙納斯提拉奇，在路上漫步也能隨時鑽進風格各異的當代藝術畫廊觀展，興盛活絡的工匠工作坊讓雅典城總是充滿魅力與活力。
｜露天庭院與屋頂酒吧，包容各類藝術展覽與活動
主理Mona Athens 的品牌 - House of Shila將雅典視為畫布、遊樂園，在空間中保留了露天庭院，讓旅客們能夠沐浴於晨光中，古老的水磨石地板彷彿靜靜等待著復興的時光。屋頂的酒吧成為許多旅客於夜晚小酌一杯的慵懶場所，在Mona Athens中，經常性會舉辦各類型藝術展覽與藝術性活動，新舊融合的建築空間本體，將不同元素與文化語彙包容其中，何嘗不是一種新型態的文藝復興呢？
｜室內規劃與軟裝設計，每一處都是藝術性的體現
Mona Athens 的內部空間佈置，採用許多帶有天然語彙的材料，將看似粗獷的元素，搭配出浪漫詩意的氛圍，引導旅人細細觀察色彩、質地紋理之間的相互關係，感受空間中的原始生命力，接受來自空間的叩問:城市與鄉村、現代與原始，之間的矛盾與優雅共存關係。如果有機會到雅典城來一趟文化之旅，不妨也在Mona Athens 佇足片刻吧！
（photos via Mona Athens）
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我們無時無刻都身處於「空間」之中，空間中的物質與色彩，會觸發我們五感的聯想與記憶，軟裝師並非只能專職於居家室內的空間規劃，在商業陳列與店舖風格設計上，也能有所發揮，也越來越是不可或缺的一員。在設計品牌店面時，空間陳列方式需要考量販售商品之類型，以及品牌核心精神...等，藉由材質運用與色彩規劃的輕裝修作法，也能為空間提味，讓空間成為品牌理念的闡述者。今天跟著DO UP一起來看看，位於義大利米蘭的這間麵包店 — Signor Lievito，如何藉由空間陳列與設計，使店面成為街訪鄰居相聚一地的據點！
｜品牌起源與初衷
這間矗立於米蘭街角的麵包店 — Signor Lievito，由原職為模特兒的Natalia Nikitina創立，開始接觸揉製麵包的契機，是基於疫情期間長期不得外出，Natalia Nikitina開始學習烘焙，從周遭家人、朋友開始分享，漸漸擴大至整個社區，這些忠實粉絲們於是鼓勵Natalia Nikitina將此技能專業化，從此改變了Natalia Nikitina的生活。
「現在我每天日出前便起床，開始揉製麵糰並且開烤箱預熱，開啟一整天的烘製過程。」
在熟悉了製程，並且找到了自己也能認同的味蕾口感後，Natalia Nikitina鼓起勇氣買下了一家店，並邀請有長年合作關係的建築師Hannes peer為其操刀設計空間。品牌名稱Signor Lievito，源自一種烘焙的核心原料，對於一種超過120年歷史的酵母的致敬。如今店內常態販售的麵包，包含長棍麵包，佛卡夏麵包以及Apulian麵包，都是一上架就會被搶售一空的熱銷品項。
｜沈浸式感官體驗的空間設計
此麵包店的內部面積約為65平方米，還有一個30平方米的地下室，在構思內部設計時，Natalia Nikitina希望能樹立新時代麵包店的形象，除了販售麵包以外，也能為消費者帶來沈浸式的感官體驗，透過色彩、造型與材料觸感，讓人與麵包的記憶產生連結。據此理念，設計師為店面量身定做了所有細節，包含動線層架、家具物件與裝飾藝術...等，形塑出有如畫廊一般的氛圍。店面中設有軟墊沙發，壁面鋪設赤陶磚烘托暖意，窗框、桌椅與層架皆以色調清雅的樺木製成，而燈飾則為古董市集的挖寶物件...，這些裝飾語彙讓陳列在層架上的麵包，看起來也有如小雕塑一般賞心悅目，誘人購買。牆壁上掛有四幅引人注目的繪畫，是由Hannes Peer親手繪製，為品牌所獨有，展示了日落時人們在海灘上放鬆的樣子，妝點了空間中留白的牆面，俐落簡約的線條則表現了對於現代主義的致敬。
｜重新定義「交流聚會」的場所
在設計此空間時，靈感來自Natalia Nikitina的家，其家中有一個大磚壁爐，Natalia Nikitina希望能將此材質沿用至店面中，而赤陶本身便具有烘烤的意象，故而大面積使用於空間中，默默散發著溫暖的光芒。此外，使內外空間建立起一種和諧的意象，有助於邀請路過的人們，產生入內一坐的慾望，而進入室內便能感覺遠離日常生活的煩憂。此麵包店跳脫常規，也寓意改變人們快步調的生活型態，將麵包店與咖啡店的概念相互結合，讓麵包店也能成為街坊鄰居們相聚一刻的場所，重新定義社交互動的場域。
（ All photo via Hannes Peer ）
藝術與風格家具設計經常是不分家的，如今的家配師更加注重在思考空間規劃時，挑選具有藝術美感的家具配飾來妝點空間，其中居家佈置與商業擺設都會因應不同的風格設計，而有相異的家具挑選取向。空間佈置師需要多涉獵多元風格的家具設計以及藝術家作品，才能持續為空間注入新的活水，提升家配美學以及商業陳列美學。今天想為大家介紹一位來自日本的陶藝家 —Yuko Nishikawa，她以紙纖維與陶土媒材做結合，推出一系列的吊燈作品，靈動的造型與錯落的分佈， 推疊出有如夢幻森林的景象，趕緊跟著DO UP一起看下去吧！
Yuko Nishikawa出生並成長於日本東京以南的一個海濱小鎮，爾後至紐約研讀室內設計，於2002年畢業於紐約時裝技術學院，當時針對法院、醫院與聯邦大樓的空間設計進行研究調查，並協助紐約的工作室品牌如: Clodagh、Bilhuber Inc. 和Alexandra Champalimaud等，進行空間規劃與室內風格設計。
擁有室內設計背景的Yuko Nishikawa，曾為輕奢風格的家居品牌-Donghia進行家具與燈飾設計長達九年的時間，過程中學習了各種工藝技法，包含玻璃、木工、金屬以及漆器或者皮革，與此同時也默默的發展著屬於自己的陶藝工作室。
目前Yuko Nishikawa與朋友們一同於紐約布魯克林威廉斯堡工業區的工作室進行創作，她將此空 間命名為森林，寄託萬物生長、滋養生命的寓意。同時也是激發好奇心與勇於創造實驗的場域，基於其室內設計背景，Yuko Nishikawa的陶瓷作品將雕塑與家飾配件做結合，可以視為一項藝術作品，亦具有功能性。風格上以色彩豐富、質感活潑立有一席之地，旨在創建一個屬於夢裡的情境，與人愉悅輕盈的感受，讓人得以悠遊徜徉於其中。
|You See a Sheep 照明系列
You See a Sheep為一組照明系列，燈罩外殼以紙纖維融進陶瓷漿中，藉此塑造出具有紙質感的陶瓷外殼，並以手捏陶技法中的泥條技法，以盤繞的方式形塑多變靈活的造型，等待陶瓷稍微乾燥後，在進行切洞的步驟，讓光芒能經由孔洞溫和的散發出來。Yuko Nishikawa 表示，此系列是受到Antoine de Saint-Exupéry 的《小王子》以及古川秀夫的《Model T Frankenstein》所啟發，想 表達我們所想像的一切，都存在於我們的感知中，換句話說:想像力就是我們的超能力!
(All photo via Yuko Nishikawa)
還記得那個頭大大、歪眼斜笑，看起來叛逆卻又忍不住受她吸引的小女孩嗎?今年春天有個好消 息，奈良美智畫筆下的小女孩，終於要展開在台十年巡展的第一站了!奈良美智的作品，經常在宅妝師思考軟裝設計時，被選納作為增添空間陳列故事性的藝術品。風格獨特，主角鮮明的畫作，不僅適合用在居家家飾佈置，也經常見於商業陳列，比如選物店或者咖啡廳，DO UP本身也是奈良美智的粉絲呢，讓我們一起來看看這次展覽的介紹吧！
去年奈良美智在台的特展獲得廣大迴響，各界人士紛紛表示希望奈良美智為台灣所創作的《朦朧潮 濕的一天》，能在台灣多留些時日。今天四月，由《朦朧潮濕的一天》單幅畫作在台展開十年巡展 的計畫終於敲定，並且將於4/1於高雄內惟藝術中心盛大開跑!展期長達五個月，喜歡奈良美智的 粉絲們怎麼能錯過呢!
關於《朦朧潮濕的一天》，奈良美智曾分享在準備台灣特展時，自己鍾愛的作品鮮少能夠出現在台灣的展覽中，比如《Midnight Truth》，因此決定重新創作一幅能與《Midnight Truth》並駕齊驅的畫作，專為台灣的特展而準備，因此才誕生了《朦朧潮濕的一天》。
在創作過程中，奈良美智的心境從焦慮轉為平和，曾表示在此種心境之下創作的作品，自己也認為是迄今為止最好的作品，而朦朧潮濕的意境，投射台灣多雨的天氣，是奈良美智對於台灣的土地印 象，畫中的小女孩也不再是帶著狡黠的目光，轉而昇華為寧靜安和的氣息，嘴角也藏著淺淺的一抹 微笑，色調上維持一貫的做法，以多種色調反覆疊加，在不同的角落都有值得細細咀嚼的層次感，也因為其濃厚的色彩，予人有如溫暖光輝的感受。
展覽資訊
《跟著朦朧潮濕的一天去旅行Traveling with Hazy Humid Day》
展覽時間:2023年4月1 日至8月31日
展覽地點:高雄內惟藝術中心(高雄市鼓山區馬卡道路329號)
主辦單位:中華文化總會、高雄市政府、Yoshitomo Nara Foundation(Japan General Incorporated Foundation)
(photo via 奈良美智特展 , nytimes , Yoshitomo Nara)
(photo via Flexa)
一轉眼，又到了2022年底了，在跨入2023年的前夕，家配師免不了都得關注一下關於明年的趨勢色調，每一年諸如PANTONE , DULUX...等品牌，都會釋出品牌預測的趨勢色，提供思考宅妝設計時的參考。色彩對於空間風格佈置而言，擔任了建立第一印象以及經營氛圍的重責大任，除了居家佈置以外，商業陳列設計也經常會藉由色調的轉換來回應當季主題性！色彩的組合若得宜，整體空間的風格整合也就成功了一半，今天DO UP就先帶大家來看看DULUX得利所釋出的2023趨勢色調，想為住家換個新氣象的人，趕緊看過來喔！
(photo via Flexa,DULUX）
有鑒於這兩三年來，全球長期處於疫情的緊張氛圍下，身處於後疫情時代的人們，想必是對於自然、自由更加嚮往，因此得利今年將目光聚焦於自然中的色調，鼓勵人們將這些色彩引入室內，使空間重獲生機與生命力。以「野麥黃」作為2023年度的主色調，並以此色彩為基礎延伸出四種不同 的色彩組合:青森色盤、花舞色盤、大地色盤、濱海色盤，得利將這些色盤定位為:「隨心而野」，期許能回應人們回歸自然的渴望，讓所處的空間也能賦予人舒壓之感。
｜青森色盤
(photo via Flexa）
「青森色盤」以森林的色調為靈感，以多種不同層次的綠色調來堆疊鬱鬱蔥蔥的自然調性，綠色也能帶給人和平寧靜的感受，而主色調野麥黃與綠色地的混搭，得以賦予空間沈靜愜意之感，其中不失活潑感，帶給人樂觀與慰藉。
｜花舞色盤
(photo via Flexa)
「花舞色盤」提醒了我們繁茂而多元的生態系中，有著豐富的花卉植物，以暖色為主調，令人彷彿 置身於百花齊放的花田中，喜歡讓空間多點活力感的你們，可以經由於「花舞色盤」中提取幾種顏 色使用於空間中，能賦予空間歡愉的氣息。而「花舞色盤」中的許多色彩，也十分適合以局部跳色 來妝點空間，營造視覺的焦點!
｜大地色盤
「大地色盤」由大地色系、中性色調組合而成，色彩中都帶有一種高級灰，呈現出大自然質樸的材 質色調，靈感來自稻草、小麥、原木的天然原生色彩，帶有些許野性氣息，流淌於空間中。儘管色 彩濃郁，卻是中性的暖調，一同使用於空間中不至於導致視覺上的紛亂，反而會有種置身於曠野之感
｜濱海色盤
(photo via Flexa)
「濱海色盤」關注了海洋潮汐的韻律節奏，以藍色調為輔，襯托野麥黃的輕盈感，深淺不一的藍與灰形成平衡的節奏，在空間中自然的流動著，帶給人心曠神怡的清新感受。在空間中使用色彩時， 別忘了利用小物的搭配來完成色彩搭配，於立面中挑選2-3種顏色組合即可，其餘的色彩可以藉由碗盤、織品...等物品來安插於空間中喔!
藝術品作為室內擺設的一環，能為空間陳列起到畫龍點睛的效果，與家配美學息息相關。不同媒材的藝術品，在空間中扮演的角色都不盡相同，粗略劃分會區分為平面與雕塑，而雕塑又可細分出硬 質雕塑與軟雕塑，平面類型的藝術品亦不局限於繪畫媒材。空間規劃師無論是在思考居家佈置或者商業陳列時，總會根據空間類型與想要營造的氛圍來選擇藝術品擺飾，其中若在選擇時，能對藝術 品的內涵有深入的了解，也能讓藝術擺設跳脫單純的裝飾性，反之於空間中寄託了故事性。今天DO UP想為大家介紹一位來自蒙大拿州的韓裔藝術家— MIMI JUNG，看她如何運用絲絲細線講述人生 故事與生活中對於不同議題的探索。
Mimi Jung，出生於韓國，在10歲時搬到蒙大拿州生活與成長，童年大部分時間都在母親的藝術學院 中度過，創造屬於自己的藝術作品，或者親臨藝術家之間的展覽活動，對Mimi Jung而言是早期教育 的重要組成，因此透過視覺藝術進行表達是耳濡目染的。如今Mimi Jung選擇了紡織作為主要的創作 媒材，絲線的柔軟質地，為作品帶來寧靜夢幻的視覺感，在靜謐之中能感受到動態與開闊，Mimi Jung透過編織嘗試探索個人與大眾之間的共鳴點。
「我的作品通常是傳記的。因此，我的社會和心理景觀與織機上的東⻄有直接關係。」Mimi Jung曾 如此表示，並認為編織是她唯一的創作方式，編織的過程中需要藉由絲線於股線之間穿梭來回，是 一種對於空間的研究，線條與間距所構成的空間能交織出何種風景?
Mimi Jung在自己的出生地 — 韓國，所貢獻的第一件手工編織公共藝術 — Fallen Fence，對她來說 有著回歸的意義。如同雲一般柔軟延展的作品，有著細微曖昧的轉折，好似於半空中漂浮跳舞，有 著不穩定、稍縱即逝的意象，提醒著人們時刻留意生活中短暫的、不經意的美麗時刻，以及透過這 些瞬間與環境、人們建立聯繫的潛力。
(作品:Fallen Fence)
另一個系列作品 — The Subsuming Ellipse，於織機上織出一個又一個漸變的橢圓，有人將之與 Mark Rothko的作品類比，是否意圖藉由漸變的色域來引起情緒上的共感，但Mimi Jung表示他所關 注的是橢圓的運動，緯紗之間的不同間距允許微妙的空間變化，將會影響色域。將橢圓的幾何形態 提煉為一個活的有機體，象徵原始生長，並藉此探索此幾何圖形所能表達的情感與空間關係，包含 推動、鏡像或者吸收...等互動關係。
(作品:The Subsuming Ellipse)(All photo via Mimi Jung)